CyberInflames a écrit:

Avec Baelish

J'adore cet acteur.

Sinon le Golden gate prend tellement cher à chaque fois que la terre est dévastée que ça en devient lourd haha

J'ai été assez intrigué par le premier pour avoir envie de voire la suite, pourquoi pas donc... Et je préfère les BA qui ne montre pas grand chose que celles qui dévoilent tout le film alors ça me va

Sinon t'as vu quoi à Cannes ?

Pas la possibilité de voir d'autres films plus intéressants ? Car celui là aurait été en bas de la liste pour moi :p

Ah yes, t'avais déjà expliqué le tirage au sort. Dommage que ce soit pour voir les fonds de tiroir

Petit récap :
La Ligne Verte : Après avoir signé un phénoménal Les Évadés, pas étonnant que Frank Darabont puise de nouveau dans le riche génie de Stephen King, adaptant cette fois La Ligne Verte. Film culte, à raison, mais non dénué de scènes superflues au sein de ces trois heures, ainsi que quelques facilités d'écriture. Néanmoins, cette durée de pellicule permet de réellement s'immerger dans le quotidien des personnages, et ressentir la tragédie de la peine de mort - inévitable - qui pèse sur l'ensemble du long-métrage. Mené par Tom Hanks, en gardien de prison compatissant, c'est surtout Michael Clarke Duncan, de sa prestation grandiose, qui fait sensation. Il aurait d'ailleurs été préférable que le scénario lui accorde quelques scènes supplémentaires tant on en vient à oublier ce John Coffey quelques fois. Par ailleurs, qui dit Stephen King, dit une part de mysticisme (qui arrive un peu abruptement) et une horreur cinglante (pas forcément graphique) qui ne font que rendre l’œuvre plus forte et émouvante, tout en faisant un constat de la peine de mort et de la vindicte populaire.

Citizen Kane : Il y a de ces œuvres considérées comme des classiques du cinéma, et puis il y a Citizen Kane, régulièrement nommé comme "le meilleur film de tous les temps". Il est vrai que, à l'époque de sa sortie, ce premier film d'Orson Welles s'avérait révolutionnaire en termes de techniques cinématographiques. Tout d'abord, il y a cette photographie superbe dans les contrastes et la définition, qui permet au metteur en scène de créer des plans de réelle envergure. Et puis, son montage est très réfléchi, jouant avec l'intrigue mystérieuse ainsi que le symbolisme visuel et sonore, et créant des scènes innovantes pour représenter les années qui s'écoulent, par exemple. Le travail sonore est pareillement fantastique, tout comme le maquillage des acteurs, et la façon de dérouler ce scénario selon les flashbacks et les points de vue. Toutefois, il est difficile de s'impliquer émotionnellement dans un tel film, qui ne garde intéressé que par les révélations de son histoire, et par la leçon de cinéma même qu'offre tout le talent d'Orson Welles.

Lovely Bones : Au-delà de sa trilogie épique en Terre du Milieu, Peter Jackson crée, en adaptant The Lovely Bones, une œuvre à la sensibilité exquise. Instantanément gracié par les nappes musicales vaporeuses et envoûtantes de Brian Eno, le long-métrage se transforme en une sorte de conte surnaturel et surréaliste, terriblement beau et poétique, tout en étant fatalement tragique. Malgré quelques facilités, parfois un peu niaises, Jackson parvient à parfaitement transmettre l'émotion par la force de sa mise en scène, ainsi que de par une photo sublime qui oscille entre des toiles paradisiaques et les clichés ternes d'une vie disparue. De la composition fascinante de ses plans, et leur écho dans plusieurs scènes, le Néo-Zélandais passe en un instant du pur onirisme, avec des scènes contemplatives et hypnotiques, au drame brutal et frénétique, lorsqu'il revient au thriller. Il faut aussi saluer Stanley Tucci, qui excelle en voisin psychopathe méticuleux et alarmant, et Saoirse Ronan, dont le timbre doucereux apporte une certaine mélancolie à une œuvre d'une incroyable richesse.

Hacker : Un thriller réalisé par Michael Mann, c'est alléchant. Sauf lorsque le monsieur finit par se parodier lui-même et tombe dans les travers d'un genre qu'il a assurément aidé à façonner. Hacker ressemble d'ailleurs plus à un film de Tony Scott. On notera tout de même la volonté de réalisme dans le jargon technique, même si ça ne reste que des acteurs qui pianotent au hasard sur un clavier. Chris Hemsworth n'est tout bonnement pas crédible dans le rôle principal, et son amourette est prévisible et fastidieuse dès l'entrée en scène de la plutôt jolie Tang Wei. Le long-métrage manque clairement de sentimentalisme, faute à des relations bien mal écrites entre les personnages. En dépit d'une volonté de styliser son film, avec quelques plans contemplatifs, des scènes d'action plus ou moins prenantes, et une bande-son hybride piquée à droite et à gauche (notamment chez Elysium), c'est surtout l'histoire qui fait défaut, avec une très faible mise en avant des conséquences de certains actes. En somme, un thriller fade à l'intrigue policière peu intéressante.

2010, L'Année Du Premier Contact : Succéder, voire supplanter, 2001 passerait presque pour une hérésie. Ce n'est heureusement pas l'intention de Peter Hyams qui, après s'être fait la main sur Outland, retourne aux abords de Jupiter pour approfondir, expliciter même, le mystère des monolithes, en adaptant la suite littéraire de Clarke. Bien entendu, il n'y a pas le mysticisme visuel, sonore, symbolique de Kubrick, ni son œil visionnaire qui rend cette suite plus vieillotte que son aînée, malgré ses seize ans d'écart. Toutefois, Hyams ne cherche pas à l'imiter - même s'il y fait référence - et conserve une curiosité cosmique de par certains plans contemplatifs superbes sur le système jovien, l'utilisation judicieuse de maquettes (a contrario des films se précipitant sur les débuts des CGI à l'époque), et les compositions synthétiques de David Shire qui parviennent à capter l'essentiel de cette ambiance fascinante et dérangeante. Vouée à être une suite inférieure, 2010 s'avère être une excellente surprise, se bâtissant sa propre identité, son rythme et ses thèmes, tout en apportant une nouvelle dimension à une œuvre culte.

Repo ! The Genetic Opera : Pour comprendre la singularité de Repo, il faut s'imaginer une comédie musicale lorgnant vers l'opéra Rock, dans la veine d'un Rocky Horror Picture Show. Comme si un groupe de Rock/Metal gothique/symphonique avait sorti un album concept sur un futur dystopique où les plus fortunés peuvent s'acheter des organes neufs à crédit, et avait décidé de le transformer en un long-métrage musical. Ainsi, le décor futuriste est sombre et technologique, entre indus et néo-gothique, mis en scène à base de filtres multicolores pour s'esthétiser à l'extrême - ce qui donne un côté comic book. On pense parfois même à l’ambiance de Southland Tales. Et, pour ce qui est de l'histoire, pratiquement toutes les lignes de dialogues sont chantées de façon lyrique, ou dans une optique un peu plus Punk/Rock. Il y a un bon rythme, les morceaux sont généralement catchy, et les acteurs ont tout de même travaillé leur voix, mais chaque scène s'éternise de façon théâtrale, et le scénario ne va pas très loin. Au moins, c'est original, un peu crade, et plutôt amusant.

Fantastic Mr. Fox : Peu importe le style auquel il s’attelle, Wes Anderson a toujours cette faculté bien particulière de transformer ses films en véritables fables modernes et poétiques, débordantes d'idées, et au rythme irrésistible. Adaptant un livre pour enfant avec des animaux anthropomorphes, Anderson opte pour un style d'animation hybride, à base de marionnettes de fourrure et stop-motion, le tout assisté par ordinateur. Le résultat est pour le moins fantastique et, avec une échelle de taille sans cesse variante, plutôt étrange. Un look qui rappelle les séries des années 70 (Aglaé et Sidonie), et donne au film une ambiance austère, aux couleurs automnales, qui respecte l'époque de publication du livre, dans le plus pur style Andersonien, notamment dans ces travellings en tous genres typiques du réalisateur. Malgré les apparences, le film n'est pas destiné qu'aux enfants ; il regorge d'ailleurs de subtilités qui ne seront comprises que par les plus âgés, notamment dans la myriades de situations burlesques et l'excellente écriture des dialogues, sur un ton résolument léger et équilibré qui se suit avec bonheur.

La Famille Bélier : La Famille Bélier réussit effectivement à être sympathique, touchant même, notamment sur deux scènes et, pour une comédie française, c'est déjà un grand pas. De là à considérer Louane comme meilleur espoir féminin, il ne faut pas exagérer. Son talent de chanteuse passe avant celui d'actrice. En l’occurrence, l'excellent François Damiens parvient, lui, à être émouvant. Est-ce bien difficile dans un film sur un handicap ? Surtout lorsque la majeure partie de l'histoire se déroule à l'écart de la surdité de cette famille, qui revient surtout pour quelques séquences drôles dans ses rapports au monde apparemment assez fidèles. Sans cela, tout ce qui concerne les relations des lycéens, cette constance à placer du sexe un peu partout, pour pas grand chose, ou encore la vulgarité excessive du professeur de musique ; c'est la collection de touts les clichés qui font sombrer le cinéma populaire français, racoleur et bien arrangeant. On retiendra les bons sentiments dans ce qui reste, tout de même, un récit sur le passage de l'âge adulte, dans un cadre atypique, mais pas primordial.

Strange Days : Sur fond d'escalade des violences urbaines et sociales, et de prophéties du passage au nouveau millénaire, Kathryn Bigelow nous entraîne dans un récit d'anticipation pessimiste qu'on jurerait sortir de l'imaginaire de K. Dick. Dans un futur proche pré-dystopique, où les influences cyberpunk et le rythme haletant confèrent un vrai sentiment de chaos à l'œuvre, Ralph Fiennes y incarne un ex-flic donnant dans le trafic de réalité virtuelle, et se retrouvant dans le collimateur d'un tueur qui lui envoie ses enregistrements pervers. Bénéficiant d'une réalisation bluffante, notamment pour les plans séquences subjectifs, l'intrigue se dévoile par étape, connectant différentes strates d'un scénario culminant en un climax intense. Derrière ce thriller noir de science-fiction, Bigelow étaye ainsi une critique sociale, mais aussi technologique, du fait de vivre par procuration. Strange Days est un de ces films trop peu connus mais précurseurs, et incroyablement sombre dans ses propos et thèmes majeurs, habilement mis en scène dans une réelle ambiance de fin du monde.

Paranormal Activity : Ce film, qui se vendait un peu trop comme un énième Projet Blair Witch sans saveur, est finalement un bonne surprise. Il faut dire qu'il n'a pas ce que la plupart de ces films d'esprits ont : les sempiternels même clichés. Bien sûr, il y a les critères habituels du genre, comme la manifestation crescendo, mais on passe outre les apparitions physiques de ces créatures, l'incrédulité des parents face à leurs enfants, ou le toujours très ridicule dernier acte d'exorcisme. Malgré des jump scares faciles, l'ambiance parvient à être prenante, et même le style found footage trouve un intérêt et permet une immersion rapide dans le quotidien de ce couple. Le problème des esprits est d'ailleurs abordé dès les premières minutes, sans pour autant chercher à l'expliquer au cours du long-métrage. Le mystère est de rigueur, et cette présence invisible et menaçante offre son lot de frissons, surtout lors des déambulations nocturnes dans la maison, seulement éclairées par la lampe de la caméra, et livrées aux bruits ambiants. Et la fin originelle était toute aussi excellente.

Collateral : Collateral a été un des premiers films tournés en grande partie en numérique, et ce format se ressent à travers quelques scènes à l'aspect plus "caméscope" qui offrent alors une image hybride, mais presque plus intime. Car Collateral est également un grand thriller néo-noir, signé Michael Mann, dont le style unique apporte une aura magnétique à son œuvre. Certes, on y trouve des ficelles classiques, ou des coïncidences et deus ex forcés, ainsi que des situations invraisemblables. Néanmoins, l'ambiance que le réalisateur instaure, de par ses plans nocturnes, son esthétique aux lumières stylisées, ses choix musicaux judicieux entre Lounge, Jazz et Rock, tend vers l'onirisme. La nuit qui englobe Los Angeles est alors personnifiée, fendue de part et d'autres par un taxi, pris en otage par Vincent, un tueur à gage sans pitié joué par un Tom Cruise époustouflant. Jamie Foxx lui renvoie également une prestation solide, dans des échanges verbaux intenses, et cette alchimie destructrice s'avère être une des pièces maîtresses du film, tenant en alerte jusqu'à un finale percutant.

V/H/S: Viral : D'abord six, puis cinq, et maintenant seulement quatre courts-métrages dans ce troisième opus de V/H/S. Plus ça va, moins ça dure. Et si la saga avait remonté un cap avec le 2, elle s'ébranle ici de façon affligeante. Trois courts sont diffusés à la suite, entrecoupés de scènes d'un quatrième, sans qu'il n'y ait de logique derrière. Cette trame considérée comme principale est incompréhensible, entre camion de glace, chaos urbain et scènes de vie chiantes. Le premier court est carrément kitsch et navrant, digne d'un mauvais Chair de Poule, tandis que le troisième scénario est absolument risible, avec des skaters qui dézinguent des morts mexicains à tour de bras. À vrai dire, à part la deuxième histoire, tournée par Nacho Vigalondo - qui vire malheureusement vite au bon navet de série Z, malgré sa bonne idée - les autres sont réalisées par de complets amateurs. Tout est atrocement filmé, les effets sont souvent cheap et laids, le montage est immonde, et même le style found footage est à la ramasse. Ce V/H/S Viral est tout simplement archi-naze, de ce que j'ai vu de pire dans le genre.

Kon-Tiki : Thor Heyerdahl est de ces aventuriers les plus ambitieux et téméraires de son époque ; l'expédition du Kon-Tiki en est une preuve. Soixante-cinq ans après, Joachim Rønning et Espen Sandberg décident de recréer cette aventure - filmée par l'équipage pour en faire un documentaire en 1950. Ce qui marque, c'est cette photo absolument sublime, où le bleu profond (océan, yeux) scintille face aux reflets dorés (soleil, cheveux blonds). Par ailleurs, la réalisation essentiellement maritime est merveilleuse, ornée d'une jolie bande-son et de plans mémorables. On trouve tout de même quelques lenteurs, ellipses faciles, et un développement minime pour certains de ces Ryan Gosling norvégiens. Le parallèle avec Life Of Pi est inévitable, notamment pour la survie en mer et ses périples similaires, mais également pour cette dimension mystique, présente dans Kon-Tiki au travers de la puissance de la mise en scène, des phénomènes naturels aux envergures extraordinaires, ainsi que dans la foi des hommes - incommensurable, vacillante - façonnant le devenir de l'expédition.

Collatéral était énorme, je vais me le rematter pour la peine, un des rares (unique?) film où Tom Cruise incarne un méchant (badass qui plus est)

La ligne verte est aussi une très bonne adaptation du bouquin, et c'est rare chez Stephen King
J'avais bien aimé Lovely Bones mais je trouvais les scènes "surnaturelles" assez moches

J'ai matté Diversion avec Will Smith et Margot Robbie, film court (1:40) mais cool et bien fait
L'argument fort c'est Margot Robbie dans toutes les tenues possibles en 1h40

Je crois que ce fût l'argument principal quand on était devant le ciné entre potes et qu'on l'a vu sur l'affiche ahah ... Margot putain  :ketchrmi:

On m'avait conseillé Eternal Sunshine of the Spotless Mind... Sympa mais sans plus.

Vu Birdman, j'sais pas du tout quoi en penser.

Me remerciez pas pour cet avis ultra développé.

De mon côté :
An American Crime : An American Crime, c'est la première - ou deuxième selon l'ordre de sortie - adaptation de cette histoire malsaine qui a secoué la ville d'Indianapolis en 1965 : l'affaire de la séquestration et torture de la jeune Sylvia Likens par sa "nourrice" Gertrude Baniszewski, ses enfants, et même ceux du voisinage. The Girl Next Door traitait déjà du sujet, et même si sa retranscription était plus lâche dans les noms et les faits, elle était également plus fidèle. Dans celui-là, on a l’impression que le réalisateur hésite entre docu-fiction et interprétation purement cinématographique. Le film est raconté par l'intermédiaire de la reconstitution du procès de Gertrude, mais il y a une scène en particulier qui casse ce parti pris. Pareillement, la violence de l'histoire reste très mesurée, même si l'on a aucun mal à s'imaginer l'horreur vécue par cette ado. Le plus alarmant étant sans doute l'implication d'autant de personnes, et l'inaction d'autant d'autres. Au final, ce long-métrage ferait presque passer cette affaire pour un fait divers banal, alors qu'il s'agit d'un drame d'une rare cruauté.

Samurai Commando - Mission 1549 : Le titre fait peur, le scénario aussi : un escadron de soldats retourne dans le passé sauver un régiment disparu dans cette même faille deux an plus tôt, au temps des samouraï. Sans surprise, ça nous vient du pays du Soleil-Levant, et c'est surtout une adaptation d'un manga, lui-même basé sur un film d'action japonais des années 70. Il ne faut certainement pas s'attendre à du grand cinéma. C'est le genre de longs-métrages produits en pagaille par les studios Toho, et faisant office de film de début d'après-midi par chez eux. Visuellement, ce Samurai Commando donne l'impression d'avoir été tourné il y a trente ans ; l'image est terne, et la réalisation fade. Les effets spéciaux sont cheap pour un film qui date de 2005, mais c'est typique de ce genre de production. On peut aussi parler des personnages convenus, des scènes d'action brouillonnes, et autres effets dignes d'une bonne série B. Néanmoins, ça ne se suit pas trop mal pendant 90 minutes, et le film tente d'amener un petit peu de réflexion, au-delà de l'action bête et méchante, qui lui fait valoir la moyenne.

Midnight Express : Difficile pour ce film d'avoir autant d'impact maintenant qu'en 1978. Adaptant l'histoire de William Hayes, emprisonné pour possession de haschich en Turquie, il y a cette volonté de montrer les conditions de vie barbares en prison, même si depuis, on a vu pire sur le sujet. Dans Midnight Express, on a même l’impression que William y trouve ses petites habitudes derrière ces barreaux souvent ouverts. Il plane néanmoins un certain malaise, du fait des dialogues en turc non sous-titrés qui oppressent dans l'incompréhension, et évidemment la musique de Moroder, avec un thème principal aux accords sombres et inconfortables, même si le synthé dénote avec certaines scènes. Côté réal, malgré quelques plans forts (et ce leitmotiv des portes qui se ferment), c'est assez classique. Brad Davis, par contre, honore le film d'une excellente prestation, atteignant son paroxysme dans la folie de la deuxième heure, car passé la scène d'intro, et quelques sursauts violents, on traîne un peu la patte pendant une heure avant d'atteindre le tournant fatidique du long-métrage.

Le Discours D'Un Roi : C'est avant tout le récit de Roi George VI face à son complexe majeur : son bégaiement, résultant en une profonde anxiété à parler en public. Le long-métrage n'est pas pour autant académique et sur-dramatique ; on en vient même à rigoler quelques fois, grâce à cette opposition des classes entre la royauté et cet expert linguiste des bas quartiers du pays, qui ne prend pas de pincettes. Colin Firth excelle dans sa représentation du roi et Geoffrey Rush lui donne joliment le change. Le rythme du film se crée ainsi de cette relation sensible entre les deux hommes, en un temps de crise dans la famille royale. Hooper porte l'histoire par une réalisation splendide ; la caméra est gracieuse, les jeux de focales subliment les décors (abbaye, intérieurs classieux et chatoyants, papiers peints, extérieurs embrumés) tout en mettant en exergue les émotions des personnages, primordiales. Par ailleurs, la photo contemporaine magnifie cette reconstitution d'époque et lui offre un cachet authentique, qui transforme le film en un réel mouvement symphonique.

Vu Ex Machina, très ambiancé et attrayant, court mais efficace.

Avengers 2: Bien cool. Moins bien que le premier mais ça reste le bon gros Marvel qu'on veut aller voir. Mention spéciale pour les premiers mots du film (Oui, RDJ qui début avec un m*rde). Film familial qu'ils disent. Oui, ben oui. Seulement Robert ne s'arrête pas à ça!

Mad Max: Fury Road: Il m'a fallu cinq minutes le temps de me lever de mon siège. Vu en 3D et vo, ce film est génial. Il faisait fort longtemps où je n'avais pas vu un film d'action de la sorte sans m'ennuyer. Puis Tom Hardy... Tom Hardy. Plus ça va, plus j'en tombe amoureux. Il est efficace dans ses rôles, et n'a pas pour projet de se cantonner au rôle de gros nounours bagarreur. Pour moi, il est premier dans mes films de 2015. Puis cette bande originale signée Junkie XL... Mama. Qu'est ce que ça passe bien dans le désert! Enfin bref, coup de coeur (Charlize Theron, si tu me lis, épouse moi).

Il y a quelques semaines j'avais vu Charlie Mortdecai avec Depp, McGregor, Paltrow Bettany ou encore Goldblum, qui m'a étonnamment fait rire et plut malgré les critiques. Les dialogues sur les moustaches sont géniaux à mon goûts. (Bêtes pour certains, je le concède mais marrants... )

Je me suis refais le premier Mad Max aussi. Qui même avec ses imperfections, reste un régal lorsqu'on en connait l'histoire et les secrets (de réal notamment, dû au budget entre autre). 

Il va falloir que je me fasse Interstellar, film que j'ai terriblement attendu mais que je n'ai pas le courage de regarder (3 heures p*tain...) Mais je vais le faire, promis! Surtout que j'adore Nolan et McConaughey.